<상처에서 태어난, 치유하는 이미지>

황 현 승 | Director


   작가 스스로 ‘심리적 풍경’이라 명명한 최혜연의 작품들은 ‘바라보는 것’으로부터 시작된다. 작가는 세계를 그냥 바라보는 것이 아니라 주의 깊게 바라보며 풍경의 속내로 파고들어 간다. 최혜연이 세계의 모든 면면에 눈길을 보내는 것은 아니다. 작가의 시각을 특별히 자극하고 마음을 유난히 끌어당기는 대상이 있다. 특정 대상에 작가의 마음이 끌리는 이유는 그 대상에 자기 자신이나 타자가 반영되어 있다고 느끼기 때문이다. 작가는 어떤 대상이 기억이나 심적 상태를 대변할 수 있다고 여긴다. 또는 그 대상을 통해 자신을 표현할 수 있다고 생각한다. 다시 말하면, 작가는 대상에 자신을 투영한다. 그런데 공교롭게도 작가의 마음이 머무는 대상들은 대부분 ‘구석지고, 소외되고, 모호한’ 것들이다.

   최혜연의 심리적 풍경들은 마음의 상처가 감지하고 찾아낸 이미지들이다. 작가가 자주 적요한 교외에 홀로 머물며 메마른 풍경에 마음을 뺏기는 것은 내면의 고통 때문이다. 생채기 난 마음이 자기를 닮은 대상을 만났을 때, 아픈 마음은 가만히 이해해 주는 대상 곁에서 쉼을 얻는다. 작가는 미물의 마음을 감지하고 거기에 자신의 여린 마음을 합할 줄 안다. 이것은 자기 자신과 투쟁하며 오랫동안 내면의 소리에 귀 기울여 온 사람만이 할 수 있는 것이다. 

   내적 상처로부터 발원되고 예술적 승화로 귀결되는 최혜연의 심리적 풍경들은 치유하는 힘이 있다. 먼저 이 치유는 작가에게 일어난다. 사적인 슬픔을 붓질에 담아 화폭 위에 반복하여 쌓는 과정 중에 감정은 정화된다. 결국 작가의 감정은 그 정수만 남아 모두가 깃들 수 있는 보편적 감정으로 순화된다. 정련의 시간을 거친 티 없는 슬픔은 작품의 형태로 더 많은 일을 하기 시작하는데, 최혜연이 창출한 이미지는 감상자들의 마음을 곧장 뚫고 들어가 그들의 마음 속에도 존재하는 사적인 슬픔을 건드리고 거기에 말없이 공감한다.
   
   최혜연이 수선스러운 상념들을 가라앉히며 만들어낸 이미지의 표면은 조용하지만, 이미지 안쪽에는 애잔한 감정들이 두텁게 퇴적되어 있다. 작품 심층에 밀집된 비감은 표면으로 서글픔을 우려낸다. 그러나 최혜연의 그림은 우울로 함몰되지는 않는다. 그것은 작가의 마음에 끝내 남아 있는 잔잔한 사랑 때문이다. 자기 위로에 그치지 않고 다른 고독한 존재들을 감싸 안으려는 작가의 연민은 작품의 안과 밖을 난기로 든든히 받쳐 주고 있다. 

   작가의 작업 과정을 이끄는 것은 파토스pathos다. 이 파토스로 인해 작가가 완성한 이미지들은 순도 높은 서정성을 획득한다. 숱한 정념들을 단일 이미지로 응집시키는 과정에서 작가는 스캠퍼scamper 기법을 활용하여 실제 이미지를 감흥에 따라 변형하는데, 이로써 이미지의 사실성은 감소되지만 이미지의 진실성은 증가된다. 작가의 시적 관점은 사실에 기반하되 그 사실에 갇히지 않는 이미지를 창출하고, 개인 서사에서 비롯된 이미지는 보편타당성을 지닌 은유가 되어 모든 사람을 향해 열린다.

   ‘이제 어리석게도 모든 것을 깨달은 다음 

   오래 마음 깊은 속에 

   괴로워하던 수많은 나를 

   하나둘 제 고향으로 돌려보내면 

   거리 모퉁이 어둠 속으로 

   소리 없이 사라지는 흰 그림자. 



   흰 그림자들 

   연연히 사랑하던 흰 그림자들,’ 



   - 윤동주, <흰 그림자> 중에서.



   때로 최혜연은 작품 제목을 통해 풍경의 낮과 밤을 구분하지만, 실상 그녀의 그림 속에는 시간대가 없고 존재의 어렴풋한 윤곽과 흰 그림자들만 존재한다. 인적 없는 화면 위에 하얀 재처럼 오롯이 남겨진 희미한 형상들은 작가가 오래 앓다 떠나 보낸 상처와 아픔들이며, 아마도 뜨겁고 고통스러운 자기 성찰 후에 초연히 삶을 이어가는 작가 자신의 초상일 것이다.

<Born from Wounds, Healing Images>   

Hwang Hyunseung | Director

   Hyeyeon Choi’s works, which she labels as ‘psychological landscapes’ begin with the act of ‘seeing’. Rather than merely looking at the world, she meticulously examines it and delves into the depths of the landscape. Hyeyeon doesn’t cast her gaze across all aspects of the world. Instead, she is drawn to specific elements that stimulate and captivate her attention. It is because the artist feels that the subjects reflect either herself or others. She believes certain subjects serve as a symbolic representation of one’s memories or emotional states. Or she believes she can express herself through them. In other words, the artist projects herself onto those subjects. Ironically, the objects where the artist’s emotions linger are mostly ones that are ‘overlooked, marginalized and ambiguous’. 

   Hyeyeon Choi’s psychological landscapes are images that the heart’s wounds sensed and discovered. Driven by inner pain, the artist often finds herself alone in the outskirts, captivated by the arid landscape. When a bruised heart encounters a subject that resonates with itself, it quietly finds tranquility beside an empathetic company. Hyeyeon is attuned to the delicate emotions of the unspoken and unknown and understands how to sympathize with them. This is something that only those who have grappled with their inner struggles and attentively listened to their inner voice for a long time can understand.
   Originating from internal wounds and culminating in artistic sublimation, Hyeyeon Choi’s psychological landscapes have a healing power. This healing begins with the artist herself. Emotions are purified through the repetitive process of pouring her emotions onto the canvas with each brushstroke. Ultimately, only the essence of the artist’s emotions remains which has been refined into universal sentiments that everyone can appreciate. The refined, unblemished sorrow begins to serve a greater purpose in the form of art. Hyeyeon’s paintings reach deep into the hearts of viewers, touching on the personal sorrows that exist within them and sympathizing without the need for words.

   The image created by Hyeyon’s busy thoughts are submerged and appear serene on the surface, but beneath the image is densely layered with poignant emotions. On the surface, the concentrated sorrows embedded deep within the artwork exude melancholy. However, Hyeyeon’s paintings do not succumb to sadness. This is because of the lingering, gentle love in the artist’s heart. Her compassion, which extends beyond self-soothing to embracing other lonely beings, firmly supports both the inside and outside of the frame of her work.
   The driving force behind the artist’s creative process is pathos. This pathos allows her paintings to be highly pure and lyrical. In the process of consolidating numerous emotions and thoughts into a single image, Hyeyeon employs the scamper technique to transform the actual images according to her feelings. As a result, while the images’ factual accuracy may decrease, their truthfulness is enhanced. The artist’s poetic perspective is grounded in reality, yet she creates works that transcend those facts. Moreover, images derived from her personal narratives serve as metaphors with universal truth, making them accessible to all. 


   'Now, foolishly, after grasping all thing,
   For a long time, which are in my deep heart,
   And many of myself who are suffering,
   When I send them back to their hometown by ones and twos,
   Then, into the somber corner of the street,
   The white shadows which vanished without the sounds.  

   The white shadows,
   The white shadows to which I stick to love'
   
    - Yoon Dong-ju, <White Shadow>


   In Hyeyeon’s work, the distinction between day and night is often marked by the titles. However, in reality, her paintings transcend specific timeframes existing only as vague outlines of existence and white shadows. The faint shapes, left like white ashes on a blank canvas, represent the enduring scars and pains that the artist has weathered and ultimately let go of. Perhaps, they portray a portrait of the artist herself living on through profound and painful introspection. 

<작가 노트>

최혜연 | Artist

 
   작업은 나와 외부세계의 대상과의 관계맺음이다. 낯선 사람 간의 대화와 같다. 일상의 풍경을 관찰하는 것은 작업에서 큰 비중을 차지한다. 시선을 끄는 외부의 세계를 궁금증을 가지고 조용히 들여다보면 그들의 곁을 내어준다. 지루할만큼 단조로운 톤으로 식물들이 들어찬 숲속도 오랜기간 들여다보면 저만의 방식으로 무수한 변화를 하고있었다. 나와 풍경이 관계를 맺는 태도는 타인과 내가 관계를 맺는 방식과 다르지 않은 것 같다. 애정과 연민의 시선으로 대상의 곁을 머문다.

   내면을 자극하는 외부의 세계와 대상은 나 또는 주변인들의 모습과 닮아있다. 생명이 있는 모든 것은 신체가 있고 우리는 모두 연결되어 있다는 말과 같이 나와 물리적 공간, 대상이 연결되어 있음을 느끼는 순간에 흥미로움을 느낀다. 눈으로 보면 우리는 개별적인 존재이지만 우리의 정신은 매순간 대상을 향하며 연결되어 있다. 그렇게 외부의 세계와의 대화를 통해 나의 내면의 일부를 확인한다. 감각과 기억과 상상, 감정 등 내면의 마음 작용이 담긴다.

   나는 일상에서 모호한 경계에 있는 듯한 경험을 할 때 자유로움을 느낀다. 박제된 듯 당연한 풍경도 낯설게 느껴지는 순간이 있다. 이러한 풍경에 관심을 갖는다. 비가 오는 날엔 빗물을 스치며 차가 지나가는 소리는 파도 소리처럼 들리기도 하며 보수를 위해 테이핑해 둔 비닐과 조명에서 해와 파도가 있는 풍경으로 변화된다. 길가에 무언가를 은폐하거나 보호하듯 쌓여있는 길가의 방수천으로부터 장례식을 연상시키는 풍경이 된다. 이렇게 정체성이 모호한 주변의 풍경이나 사물들은 무의식을 통해 내면을 자극하며, 비현실적인 풍경으로 연결되는 지점들을 만들어 낸다. 베란다에 걸려있는 옷가지들, 침대에 놓여있는 이불의 모양새, 움푹파인 세면대 위에 놓인 세면도구들의 배치는 굳어있는 일상을 말랑한 시,공간으로 변화시킨다.

   작업은 장지나 캔버스에 주로 먹이나 호분, 분채등 동양화의 재료를 사용하고 추가적으로 파스텔이나 아크릴 등의 재료도 함께 사용하고 있다. 화면의 깊이를 주기위해 여러 번 붓질을 중첩시켜 물기를 머금고 있는듯한 뭉근한 분위기를 나타낸다.